Елементът вода и боя
. Материалност на изобразените предмети
Значителна трудност при рисуването с акварели е пренасянето на материалността на изобразените предмети, особено ако художникът използва някоя научена техника. Механичният характер на приложението на един стил на писане предизвиква сравнение с филтър за компютърна програма, наложен върху снимка. Този подход ограничава творческите възможности в интерпретацията на формата и съществеността.
Като илюстрация отново ще дам пример от работата си върху „Натюрморт с тикви“.
Фиг. 7. За да нарисувам чаша вода, трябваше постоянно да комбинирам мокро боядисване (чрез навлажняване на фрагментите), глазура и суха четка. Изглежда, че използвах същите техники, както преди, но всичко се оказа по-сложно. Има много взаимоотношения, които трябваше да бъдат взети под внимание:
- характеристики на формата на стъклена чаша, пълна с вода, създаваща оптична игра на светлина,
- в чаша се вижда хоризонтална повърхност на водата, която „живее“ според своите физически закони,
- стъклото е на тъмна дървена повърхност,
- стъкленото стъкло отразява отблясъците от прозореца,
- зад чаша вода можете да видите тиква и плътна сянка отстрани,
- издънка от тиква, която стои в чаша и ни се вижда през лещата на водата.
И само като се вземат предвид всички горепосочени фактори, беше възможно да се предаде съществеността на стъклото, водата и околните предмети.
Детайлизиране и обобщаване
Старият академичен принцип „от цяло към конкретно, от конкретно към цяло“ означава, че е неприемливо да се увличате с развитието на отделни детайли, забравяйки за цялата работа като цяло. Необходимо е да се избегне фрагментация, тогава вашата акварел няма да се разпадне в мозайка от отделни парчета.
В работата по същественост и детайли се проявяват наблюдението, търпението и артистичният вкус на майстора. Началото в акварелната живопис е почти винаги лесно, красиво, интригуващо. Струва ви се, че боята се подчинява на вашата воля, вие „държите петното”, контролирате формата и всичко ви се получава. Но започва периодът на работа върху детайлите. Това е може би най-вълнуващият и в същото време труден процес, когато трябва постоянно да се наблюдавате, за да не забравяте за цялостното възприятие на цялата работа. Чувството за пропорция е много важно качество за художника. Прекаляването с подробности може да бъде фатално на последните етапи. За да избегнете твърде много подробности, трябва да намерите достатъчно смелост, жертвайки, може би дори много красиви парчета, за да се придвижите по пътя на големи обобщения до завършване на работата. Важно е винаги да помните, че не пишете обект, а негово изображение. Този последен момент в рисуването трябва да бъде не по-малко емоционален от началото на работата.
Фиг. 8. Ще се опитам да опиша по-подробно работата по една част.
Използвайки примера за рисуване на тиквено листо, ще се опитам да покажа как можете да „омесите цвета“, да изваете обем, използвайки различни ефекти и техники.
8.1. Навлажнявам мястото на зеленото листо и, насищайки тона и цвета, започвам да симулирам формата на листа.
8.2. „Взимам“ зелено с „пълна сила“.
8.3. Изсушавам го със сешоар. По време на процеса на сушене боята продължава да се движи и плавно се разпространява върху мократа повърхност на хартията.
8.4. Оформяйки светлина върху тиквен лист, аз „изсипвам“ слаб светъл нюанс на зелено, наситен с вода и водата с разтвор на боя започва да измества тъмния цвят.
8.5. С жълт нюанс оформям плътта на листа, където се вижда на светлината.
8.6. Веднага симулирам тъмнозелени преходи, образувайки собствена и падаща сянка, подчертавам прекъсванията на формата и границите на сенките.
8.7. Без да позволя на листа да изсъхне напълно, аз го „копирам“ от фона, създавайки меко докосване на формулярите.
8.8. Боята "живее" и "се движи" върху суха повърхност. И отново и отново усложнявам формата с нови цветови схеми. С тънка четка постигам изящество в очертанията на листа, подчертавайки блясъка на листа срещу светлината в жълто.
8.9. Когато боядисаната повърхност е почти суха, използвам тънка четка, за да направя вени върху тиквения лист.
8.10. Заточвам светлината с широка четка. За да направя това, отново използвам ефекта на изместване на боята, буквално, "капейки" малко количество вода с добавка на кобалт, за да направи светлината хладна. Аз контролирам разпространението на боята и „улавям“ излишната влага с изцедена четка.
8.11. Самолетът изсъхва все повече и повече, което ви позволява постепенно да конкретизирате характеристиките на структурата на тиквените листа. С тънка четка, моделираща светлина и сянка, създавам сложна форма на листа.
8.12. След като картината изсъхне, усложнявам текстурата на листа, „усъвършенствам“ тоналните и цветовите преходи.
Последователност на работата
Неопитен художник често задава въпроса: какъв е най-добрият начин да започнете да рисувате акварел, от фона или изображенията на предмети, от преден план или от втория?
Ако проблемът с пространството се решава в работата, тогава неизбежно ще е необходимо изображението да се изгради в светло-въздушна перспектива, като се използват картинни планове. Най-очевидният пример е пейзажната живопис. Обикновено в пейзаж работата започва с рисуване на третия, далечен план и след това небето се рисува, плавно преминавайки през линията на хоризонта към земята, към втория план. След това се разработва тонален преден план и започва работата по детайлите.
В портрет работата обикновено започва с основното - рисуването на главата. След това постепенно преминава към проектиране на фона.
В натюрморт можете да започнете с тъмен фон, тоест трети план, след което да впишете обекти в него. Въпросът за приоритета обаче става решаващ за качеството на работата, ако се изобразят обекти от жива природа, чийто живот е мимолетен и променлив. Това може да бъде лилия, която се отваря пред очите ви, цветя и листа, които бързо изсъхват, или прясната плът на счупена праскова, която губи сочността си. Ако нямате време да напишете нещо важно от природата, тогава дори снимка, направена като мамят, няма да може да върне очарованието и свежестта на първото емоционално възприятие. Само добра визуална памет, познаване на обекта на изображението и натрупан опит могат да помогнат на художника в такава ситуация.
Например ще дам работата си "Натюрморт с червено френско грозде".
Фиг. 9: Играта на светлината, наблюдавана в листата на червеното френско грозде, може да бъде предадена само лесно и прясно от природата. Следователно, листата трябваше да бъдат боядисани първо, те изсъхнаха много бързо, в рамките на три часа. Тогава написах плодове от червено френско грозде, които още на втория ден започнаха да губят блясъка на живата плът. За мен също беше много важно да се възползвам незабавно от дълбочината на червения тон в сянка. И не на последно място, написах предисторията.
Но е невъзможно да се даде универсална „рецепта“ за живопис за която и да е работа. Всяка нова творба поставя пред художника нови, често неочаквани предизвикателства.
И така, каква е „тайната“ на акварела?
Има ли наистина „тайни“, за които любителите и почитателите на тази прекрасна техника често питат?
След като направих опит за кратка екскурзия в историята на акварелната живопис, исках да покажа, че теоретичните познания за техниката са много важни сами по себе си, но не са някои специални тайни, известни само на избрани професионалисти, съвсем друг въпрос е да могат да комбинират тези знания въз основа на личен опит.
Как можете да напишете майсторски най-сложната творба за кратко време?
Можете да седите с часове пред завършена работа, опитвайки се да разберете как се е родил този или онзи късмет. Ясно е, че успехът не се крие в обикновен набор от технически постижения. Понякога е невъзможно да повторите собствените си успехи.
Не случайно одухотворявам техниката на акварела, аз съм в диалог с нея и я сравнявам с елементите, които трябва да бъдат покорени. За мен най-голямото удоволствие в работата е да постигна „единство“ с технологиите. Когато започнете да живеете в неговото пространство, да го усетите, едва тогава най-немислимите начинания успяват и всичко изглежда идва само по себе си - както неочаквани решения, така и необичайни методи. Започвайки сесия за рисуване, аз се стремя да проникна със съзнанието си в „тестото за рисуване“, защото в началото на работата се случва най-трудното: полагат се тонални, цветови отношения. В този момент е необходимо особено деликатно да се усеща и контролира влажността в цялото пространство на работния лист, независимо от неговия размер. Всички събития по време на работа се преживяват емоционално: добре поставен удар, капчици боя и необичаен акварелен ефект, получен в резултат на съвкупност от неразбираеми за логиката обстоятелства.
Можем да кажем, че всички „инциденти“ възникват, когато майстор, движейки се по замисления сценарий, уверено „извайва“ пространството и създава живопис, без да мисли за ефектите като такива. Това изисква много концентрация на внимание. Носен от ентусиазираните преживявания на акварелните ефекти, човек не трябва да губи замисления образ. Загубата на изображение или неговото отсъствие може да се определи като "грозота", което по същество е "грозота". Създаването на образ е смисълът на работата на художника. Картината трябва да завладее зрителя, така че той да иска да я гледа дълго време, да мисли, потапяйки се във вътрешното й пространство, поддавайки се на магията му. Важно е не само това, което виждате, но и това, което чувствате, е много по-важно. Това е един вид реалност в сензациите. И ако този „послевкус“ от картината, която вижда, остава на зрителя, тогава художникът е постигнал резултат и работата е извършена.
Най-важната „тайна“ на акварела е страстното желание за постигане на резултати. Художникът, също като спортист, стартирал маратонско състезание, трябва да мисли за постигане на целта, без да се страхува от дълго пътуване.
Страхът, получен от неуспешен резултат, трябва да се превърне в полезен опит от грешки, който в бъдеще ще бъде компенсиран от радостта от овладяването на техниката. Трябва само да се потрудите и да експериментирате - пътят ще бъде овладян от ходенето.