Живопис - Томас Мишел Съвременно изкуство
Дали рисуването все още има бъдеще и значение в ерата на електронните медии? Живописта е огледало на човешката душа и майсторството му е път към себепознанието, воден от волята за форма. За да можем да дадем верните отговори на новите предизвикателства на медийното общество, е необходимо да направим равносметка на съвременното изкуство и живопис.
Две неща оформят 21-ви век: имиджът и еволюцията на новите форми на комуникация. Възможно е и двата термина в тяхното взаимно проникване да станат синоними в езиковата употреба, точно както думите „образ“ и „магия“ някога. За да можем да се справим с потока от цифрови изображения, е необходимо да прелистим каталога на човешките изображения до неговото начало. Вярващите модернисти вярват, че могат да продължат да пишат този каталог линейно, но в дигиталната ера е необходимо да се развие еволюционно разбиране за изкуството. Историята винаги води хората към дежаву, признаването на вечното завръщане на същото и придаването му на съвременна форма е предизвикателството на съвременната живопис.
В историята на Запада, с закономерността на един природен закон, се редуват епохи, които противопоставят акцента върху разума с емоция и обратно. Обхватът на художествените форми на изразяване остава непроменен. Различните жанрове на изкуството се развиват в съответствие с функцията на човешките сетивни органи. Най-оригиналното е изображението като среда за най-важния орган на сетивата, окото. Еволюцията предполага, че всеки вид, способен да развие интелигентност и художествен израз, ще започне с изображението.
Томас Мишел, Новите номади, масло върху платно, 1994 г., 125 × 180 см
Вторият по важност жанр в йерархията на сетивата, необходим за оцеляването, е музиката като акустична среда. Третият жанр от жизненоважно значение е танцът, който се е развил от движението. Образът, музиката и танцът имаха комуникативна функция, която в крайна сметка доведе до ритуална. Думата и езикът се развиха от обреда, който установи йерархията на една социална група. Когато термините стават твърде сложни за визуално представяне, те се преобразуват в символи и символите се използват за създаване на писане. Тези форми на художествено изразяване формират основата на всяка култура. Йерархията на отделните жанрове и специфичното им претегляне един към друг оформят духа на Запада, както и на всяка друга култура. В първата европейска висша култура в Гърция жанровете се определят рано като огледало на своите физиологични задачи: живопис, скулптура, музика, танци, театър, литература, философия, архитектура.
По-късното прекрояване от християнството придава на западната култура вид, който е валиден и до днес. Религията оформя психологическата връзка между култура и образ; в историята има два биполярни религиозни модела, които отхвърлят образа от страх от злоупотреба с власт като исляма или го използват съзнателно като християнството. В култура, която отхвърля образа поради религия, литературата и поезията поемат функцията на образа. В този случай съобщението се предава на получателя чрез думата, като в същото време се изключва злоупотребата с изображението като идол. Благоприятните за изображение култури използват различни носители на изображения, за да предадат своите послания. Носителят на изображение представлява средата и е обект на исторически и технологични промени: скалата в пещерата, стената на катедралата, дървеното пано, тъканото платно, прожектираният светлинен лъч на филма, дисплеят, всичко рисува в най-широкия смисъл. Независимо от технологичното си ниво, всяка среда може да бъде проследена до първоначалната си функция, а именно да предоставя информация за изображението за окото.
Разтварянето на родовия термин в модерната епоха не може да повлияе на смисъла на живописта.
Художниците от съвременната епоха се опитват да разбият установената йерархия на художествените жанрове, които са се разраснали през вековете. Общият термин като такъв беше премахнат, докато беше въведен стилистичен плурализъм. Разделянето на жанровете трябваше да бъде преодоляно чрез превръщането на границата им в централна тема. Желаната проницаемост на жанровите граници съответства и на политическия импулс на просветеното общество. След Втората световна война, под влиянието на нарастващия пазар на изкуството, визуалните изкуства се превръщат в най-печелившият в търговската сфера жанр. Ето защо не е изненадващо, че визуалните изкуства поеха цялата йерархия с претенцията си да разширят границите на жанровете. Дадаисткият трик, с който обектът се трансформира в произведение на изкуството чрез акт на декларация, даде на визуалните изкуства неограничен достъп до характеристиките на други жанрове. Скулптурата, литературата, театърът и музиката бяха погълнати от магията на разширената концепция за изкуство.
В резултат на това се появяват редица хибридни жанрове, чиято обща черта е, че те се преливат един в друг чрез отворени жанрови граници, при което художникът става майстор на церемониите чрез ритуализиране на отварянето на границите. Арт жанровете с различни характеристики бяха сведени до едно и също твърдение: всичко е изкуство. В противоречие с основната демократична претенция на разширената концепция за изкуството, произведението на изкуството сега беше още по-обвързано с личността на своя създател, който го фетишизира чрез ритуала. Произведението на изкуството черпи съдържанието си все по-малко от вътрешна необходимост, но служи на художника, за да осигури пазарната му стойност. От края на модерните времена компютърът е наличен за първи път като носител, който е подходящ като носител на информация за всички жанрове, но е заблуда да се вярва, че границите на древните жанрове могат да бъдат преодолени по този начин. Ограничителният фактор са самите хора, които в компютърната ера все още имат същите сетивни органи, както в античността, при условие, че не са били разрушени през 20 век.
Изкуството и религията винаги са били тясно свързани, като изкуството обслужва религията дълго време, докато то е успяло да се освободи от нея чрез секуларизация. Живописта преживява разцвета на своята независимост в идеалния свят на импресионизма. Марсел Дюшан се отказва от рисуването и прекратява мирното съжителство на изкуството и религията, като завърта колелото на времето на главата си и го обявява за велосипед. От този момент нататък изкуството и религията отново са свързани, макар и с противоположния знак, тъй като самият художник сега функционира като основател на религията. С въвеждането на разширената концепция за изкуство всички бяха обявени за художници, но поговорката би била правилна: всеки е художник, но само няколко са пророци.
Томас Мишел, Цвайстромланд, масло върху платно, 1993 г., 145 × 180 см
Рисуването намира своя път директно в подсъзнанието.
През 21-ви век културата се изроди в обикновена стока на световните пазари, вече няма никаква художествена критика и едва ли днес е възможно да се разграничат доброто от лошото рисуване. Изкуството е това, което е класифицирано като търговско от пазара на изкуството. Но въпреки че живописта е обявявана за мъртва няколко пъти, нейната привлекателност остава непрекъсната, главно защото нейната двуизмерност я прави най-практичната от векове. Магията произтича от рисуването, когато картината надхвърля просто нейния дизайн, а именно начина, по който боята е нанесена върху носителя на картината и как художникът е оставил физическите си следи. Тогава повърхността на картината крие тайна, загадка от историята на нейното създаване. Текстура, цвят, глазура, която просто е там и има собствен реален живот, отделен от създателя си, идва от същото метафическо измерение като първите образи на човечеството, които все още са били под магията на магията.
Това чувство възниква само когато сигналът попадне директно в подсъзнанието на наблюдателя, без да минава през съотношението. В рамките на класическия и древния жанр това е възможно само в живописта заедно с музиката; всички останали жанрове се възприемат на когнитивно-интелектуално ниво. Съобщенията, които предават, първо трябва да бъдат обработени рационално и преведени в по-прости образи, за да се достигне след това до центъра на съзнанието на основното ниво на възприятие, към което пряко се обръщат живопис и музика.
Колажът е индикатор за състоянието на текущите дела.
Едно от големите постижения на съвременната епоха е колажът. В колажа фрагменти от различни реалности, които са си чужди, се събират на едно и също ниво, но запазват фрагментарния си характер. Равенството, с което се третират различните отделни елементи, изисква изравнена повърхност или цялостна рамка. Колажът възникна от дадаизма, чиято деструктивност взриви изкуството в руини, за да му позволи да говори сам за себе си като символ за превръщането на съмнителен ред в първоначалния хаос.
Едва в литературата и живописта на сюрреализма е направен опит да се създаде нов свят на дадаистките развалини. Мотивацията на сюрреализма беше очевидно конструктивна, тъй като в сюрреалистичния колаж фрагментите от реалността не остават изолирани, а се допълват взаимно във взаимен диалог до ново, по-високо ниво на реалност, където общата сума надвишава сумата на отделните му части. Разрушаването и строителството са еволюционно също толкова логично последователни явления, колкото и историческото развитие на сюрреализма от дадаизма. Взаимното възникване на деструктивни и конструктивни фази обхваща цялата епоха на модерността, при което колажът е сигурен индикатор за фазата, в която са текущите дела.
Загубата на синестетично възприятие доведе до стилистичен плурализъм.
В хода на фрагментацията на кръстосана жанрова и холистична естетика, какъвто е случаят в модерния стил и символизма, плурализмът на независимите стилове се утвърждава в ново време. Три големи колекционерски движения, чиито цели и съдържание надхвърлят едноименните художествено-исторически термини, образуват триъгълник, в чиято зона на напрежение съвременният художник трябваше да определи своята гледна точка: холистичната естетика се разтвори в експресионистични, конструктивистки и сюрреалистични мирогледи. Всеки от тези мирогледи имаше свои собствени цели, които бяха в опозиция на останалите.
Експресионизмът подчертава жеста и субективното. Той остава до голяма степен необвързващ, освобождава се от съдържанието и се противопоставя на формалните ограничения. Различни движения прилагат този принцип: експресионистките групи като Брюке, Блауер Райтер и Фов, в следвоенното модерно изкуство Informel и абстрактния експресионизъм и накрая през 80-те Neue Wilden.
Томас Мишел, Експлозия в пейзаж, масло върху платно, 2004 г., 130 × 170 см
За разлика от това има конструктивизъм, който подчертава съотношението и изчислението. Той отрича личния почерк и психологическото съдържание. Преходът на Пикасо от холистичния символистичен розов период към кубизма илюстрира разпадането на модерността в трите различни мирогледа. Кубизмът е първото конструктивистко движение; съвместно създадените ранни снимки на Пикасо и Брак са освободени от личния им почерк до такава степен, че техният създател често може да бъде идентифициран само с трудност, мотивите са получени от банални ежедневни предмети. Кубизмът най-накрая намери своето продължение във футуризма и руския супрематизъм, в Холандия се формира движението De Stjil, докато в Германия е основан Bauhaus. В следвоенния модернизъм концептуалното изкуство и минималното изкуство продължават да прилагат конструктивисткия мироглед. Поп арт също е част от конструктивизма, тъй като крие и личен почерк или психологическо съдържание.
Третият голям светоглед на съвременното изкуство е представен от сюрреализма. Сюрреализмът подчертава психологическото съдържание, като същевременно отхвърля формалните ограничения, в този случай той обикновено остава субективен и произволен. Сюрреалистичното движение беше особено в опозиция на изчисленията и съотношението и по този начин формира антагонизъм към конструктивизма. В следвоенния модернизъм това продължи движението Fluxus и неодааизма, който се появи от него. Съвременният художник стоеше пред трите грации като Париж и трябваше да избере една от тях, за да определи позицията си на пазара на изкуството.
Рисуване в заклинанието между този свят и отвъдния свят.
Със секуларизацията и еманципацията на произведението на изкуството от клиента, картината напуска свещеното пространство. За първи път трябва да се утвърди в светска среда, чиито несвързани обекти нарушават метафизичния му модел на вълната и създават хаотична намеса. За да бъде смущението възможно най-ниско, се създава заместител на свещеното пространство, което връща на произведението на изкуството неговата интимна сфера: още през Ренесанса това е палацото, чиято архитектура и обзавеждане възстановяват връзките между предметите. През 19-ти век картината е представена в частната обстановка на салона, докато не се трансформира в обществена и музеят се появява като място за представяне на изкуството. В същото време намаляващото свещено значение на предмета на изкуството се компенсира от неговата материална оценка, което води до развитието на търговията с изкуства. С индустриализацията профанизирането на съдържанието на изображението също напредва, което в импресионизма премахва напълно разликата между култови предмети и предмети от ежедневието.
Белият куб е византийското свещено пространство на съвремието.
Изобретяването на Дюшан на готовия за първи път обръща процеса. Банална стока като колелото на велосипеда се фетишизира, като се постави в заклинанието, а извън заклинанието остава просто колело на велосипед. Чрез този акт на воля произведението на изкуството се връща към корените си, но в същото време доказва, че не може да съществува без магическата линия на заклинанието, т.е. За да се запази аурата на предмета, преобразен в произведение на изкуството, забраната трябва да бъде защитена публично. Институционализацията на музея стана наложителна, за да се постави в рамка фетишизираният предмет на изкуството, тъй като той се освободи от съдържанието му и в противен случай би останал невидим. Рамковата функция на самия музей скоро се превърна в съдържанието на представените произведения на изкуството, през 21 век Белият куб представлява византийското свещено пространство на модерната епоха.