Анди Уорхол, дизайнерът, който изля кутията за супа директно върху роклята на американката
Той е може би най-известният представител на поп изкуството през 60-те години и времето след смъртта му - почти три десетилетия - не е опетнило славата му. Напротив. С него изкуството се обърна към масовата култура, а модната индустрия беше нападната от потребителски стоки по смислен начин за общество, което придаде висока стойност на корпорацията и консуматорството.
Някои биха казали за него, че перфектно съчетава псевдо-изкуството с кича. От негова гледна точка нещата стоят по различен начин: „Печеленето на пари означава изкуство. Работата означава изкуство. И най-красивото от всички изкуства е създаването на печеливш бизнес ", аргументира се Анди Уорхол. Той също така каза, че обича пластмасата и Лос Анджелис и Холивуд, които са пълни с пластмаса. „Бих искал да бъда пластмаса“, твърди ексцентричният художник.
Ако има връзка между художествения израз, културата на знаменитостите и рекламата, Анди Уорхол (1928-1987) го е намерил. И той го експлоатира! Роден в Питсбърг, Пенсилвания, той е бил и рекламен графичен дизайнер, илюстратор на модни списания като "Harper's Bazaar" и "Vogue", фотограф, художник и режисьор. Той стана известен като най-важният представител на поп изкуството в САЩ.
От словашки произход, от родители емигранти, пристигнали в Америка през 1921 г., диагностицирани като дете с неврологично заболяване, което ще го превърне в жив ипохондрик, Уорхола се отказва от частицата „а“ в опашката на името веднага щом пристига в Ню Йорк. Йорк, градът, в който ще остане до смъртта си. Основополагащо за неговото артистично развитие, Уорхол по-късно признава, че - болен и заобиколен от съучениците си - той може да прекарва времето си, както пожелае: да слуша музика, да рисува или да лепи плакати по стените. С други думи, свободен човек.
След като завършва Технологичния институт Карнеги, той се премества, както казах, в Голямата ябълка, градът, който никога не спи, мястото, където ще преживее финансов и артистичен успех. Точно като в холивудски филм.
Той свали културата от кулата от слонова кост директно на улицата
Твърди се, че Уорхол е бил уникален. Пълен с изобретателност, разпознавам както неговите съвременници, така и потомците на шевната индустрия, които все още са вдъхновени от неговите идеи и творения. Той промени радикално дизайна на облеклото си, като се възползва от всички гледни точки, финансово и артистично - как иначе! -, консуматорският и корпоративен дух на извънвоенна Америка, нетърпелив да притежава неща и да се гордее с това.
Всъщност от самото начало поп културата, която се появи през 50-те години, вървеше ръка за ръка с модната индустрия. Последователите на поп изкуството се разбунтуваха срещу завземането на културата от шепа талантливи привилегировани хора и решиха, че е време да премахнат бариерите. Следователно културата беше спусната от оръдието от слонова кост директно на улицата и печелившият бизнес на модата постанови най-красивото от всички изкуства. Усещайки популярността на поп културата по това време, възможността за печелене на пари и с ужасна визия за това, което предстои, художникът изразяваше всички съвременни медийни материали и техники, предоставени от обществото. Той не се свени от ослепителните репетиции в своето изкуство, дори ги потърси, навик, който го направи известен.
Какво нарисуваха поп артистите? Най-често срещаните неща: кутии за супа, бутилки кетчуп и кока-кола, (парчета) банкноти, електрически столове, всичко това с идеята да възприемат житейски опит, за да доближат изкуството до новото поколение американци, които изпитват предимствата консуматорството в социалната държава. Ричард Хамилтън, един от пионерите на поп изкуството, го определи като „популярен, преходен, експанзивен, евтин, масово произведен, млад, еротичен, ярък и доходоносен“.
Простота и пряко послание - рецептата за успех
Изключително талантлив, разбирайки много добре какво иска публиката му, Анди Уорхол разчиташе на простотата и директното изразяване на посланието, което трябва да достигне целта си, а не да тества ума на зрителя твърде силно. В създаденото от него облекло той улови същността на потребителския начин на живот. Известната хартиена рокля, отпечатана с кутии за супа на Кембъл, беше абсолютна новост по това време, както и навикът да се транспонират неговите рисунки и картини върху дрехи и обувки. По този начин потребителското общество придоби легитимност в очите на потребителите и беше прието в тънкия свят на художниците и модните дизайнери. Въпреки че първоначално се гледаше с ирония и недоверие, роклята за еднократна употреба се нуждаеше само от една година, за да се наложи на пазара, а богатите американци или по-точно американските жени не се свениха да я носят при откриването на изложбите. си.
По принцип, обяснява Алистър Онеил, изследовател в Централното училище по изкуствата Св. Мартин от Лондон, рокли за еднократна употреба всъщност не се продаваха, но жените във висшето общество в Ню Йорк дойдоха на откриването на изложбите на художника, облечени като знак, че принадлежат към много изключителен, аристократичен клуб - ирония на потребителския стил. популярен и по същество демократичен. Запитан защо е избрал кутията за супа, Уорхол отговори: „Исках да нарисувам каквото и да е, и открих същността му в тази скромна кутия“.
Това облекло все още влияе на колекциите на големите модни къщи в Париж, Лондон, Милано и Ню Йорк. Chanel и Prada го включиха в презентации през лятото на 2014 г., всъщност шоу на графични щампи, вдъхновени от творенията на Анди Уорхол, след като Moschino направи същото година по-рано, през 2013 г.
Един от онези, които вдъхновиха Уорхол в създаването на неговото облекло, беше Ив Сен Лоран, може би първият дизайнер, превърнал произведението на изкуството в дизайн на рокли и изследващ поп арт в своите колекции. Неслучайно Анди Уорхол го увековечи в копринена картина, съставена от четири пана. Едно по едно артистичните творения на Уорхол включват портрети на известни личности като Мерилин Монро, Елвис Пресли, Марлон Брандо и Елизабет Тейлър. От картини тези източници на вдъхновение са преминали върху отпечатани платна, цели или фрагментарни портрети, заедно с цветя и геометрични дизайни, в комбинация, най-малко странна за обикновено око с съответствие. Заедно с черно-белия принт, цветовете от своя страна експлодираха, ставайки все по-ярки и полихромията започна да се усвоява от основните дизайнери на обувки, чанти или шалове.
Първата самостоятелна изложба на Уорхол за живопис и рисуване се състоя през 1952 г. в галерия „Хюго“, където той изложи петнадесет рисунки, базирани на писанията на Труман Капоте. Тогава неговите картини включват нови фотографски техники като ситопечат, художникът се развива по този начин като търговски илюстратор.
Застрелян от феминистка
Към средата на 60-те години популярността на Уорхол достига своя връх. Собствената му къща, която е служила и като негова работилница - Фабриката - е била населена от бохемския свят на Ню Йорк, заедно с холивудски звезди, неизвестни политици или не, приятели художници, последователи или безработни, всички в облаци тютюн марихуана или кокаин. Уорхол чувстваше, че е изпълнил американската мечта. Докато един ден, когато една от актрисите, участващи във филмите на Уохол - Валери Соланас, страстна феминистка, но диагностицирана със сериозно психично заболяване, не откри огън по художника, точно в студиото му. Соланас беше недоволен, че е дала на художника филмов сценарий, който той е загубил, който жената не искаше да приеме. Тя си представи, че Уорхол всъщност е откраднал нейния сценарий, за да го използва без нейно разрешение, и затова реши да оправдае пистолета. Уорхол е сериозно ранен и откаран в болница за лечение. Лекарите отвориха гърдите й и масажираха сърцето й с ръка, за да го рестартират. Инцидентът, който беляза Уорхол за цял живот, се случи през 1968 г., след което дизайнерът изпразни Фабриката и се обгради само с хора, на които вярваше.
Художникът е направил 600 филма и 2500 видеоклипа, от които 500 са екранните тестове на Уорхол. Останалите са не по-малко причудливи и експериментални. Филмът „Сън“, създаден през 1963 г., показва поета Джон Джорно да спи шест часа, докато „Империя“ съдържа осем часа кадри, заснети с Емпайър Стейт Билдинг, докато слънцето залязва. Други филми имат десетки минути целувки или хора, които ядат зеленчуци на забавен каданс.
Участниците в изкуството на Уорхол не са малко и аргументите им не са пренебрежими. Това, което е сигурно, е, че художникът е отразил своето време и фактът, че десетилетията след смъртта му изобщо не са намалили славата му и че резултатът от работата му все още е източник на вдъхновение за големите модни къщи и днес доказва колко актуален е той.
Неговите картини включват главно серии: черепи, оръдия, камуфлажни дрехи, Мао, великият комунистически лидер на Китай, и Тайната вечеря. Изглежда, че последният е бил фатален за него. Докато е в Милано, при откриването на изложбата „Тайната вечеря“ Уорхол е откаран по спешност в болницата със силна болка в дясната част на корема. Той претърпя операция на жлъчния мехур и докато се възстановяваше от тази тривиална операция, внезапно почина. Той е погребан в Питсбърг и хиляди скърбящи фенове, сред които художниците Рой Лихтенщайн, Кийт Харинг, актрисата Лиза Минели, дизайнерът Йоко Оно, Бригид Берли и други, отдадоха почитта си в катедралата "Св. Патрик" в Манхатън пред ковчега. отворен, в който Уорхол беше депозиран със слънчеви очила и роза между пръстите му. Две години по-късно, през 1989 г., бяха обявени планове за откриване на музея на Анди Уорхол и Фондацията за визуални изкуства на Анди Уорхол в Питсбърг.