Изкуство и мода известни рокли в живописта, които влияят на стила на жените Монден
За тези жени всичко от тяхното богатство, характер и политически/обществени нагласи стана показателно за това на кого разчитаха за тези картини. Независимо дали го знаеха или не, те повлияха на модните тенденции, критикуваха възмущението и използваха модата, за да се представят пред света около тях. По-долу има девет картини с известни рокли, вариращи от Ренесанса до модерната епоха.
Ренесансови картини с известни рокли
Ренесансът е период на културно и художествено възраждане, като класицизмът връща революцията в европейските общества. Този период обаче видя и значителни промени в модата. Погледнете как известните рокли в картините са повлияли на модата през Ренесанса.
Портрет на Арнолфини (1434) от Ян Ван Ейк
Портрет на Арнолфини от Ян Ван Ейк, 1434 г., през Националната галерия, Лондон
Сватбеният портрет на Арнолфини на Ян Ван Ейк е съществен елемент в изследването на портретни тъкани. Техниката на Ван Ейк не оставя нищо на въображението, защото подходът му към рисуването на платове създава реалистично и триизмерно преживяване. Изумрудено зелено в бижута на нейната вълнена дреха и ръкавите, облицовани с херменевтика, представят статута на семейства, тъй като само богатите клиенти могат да си позволят тъканите на изображението по-горе.
Вълна, коприна, кадифе и козина са рядкост и по-скъпи за производство от памук или лен и са символ на статута на това колко може да си позволи да купи. Тя също показва богатството на съпруга си, тъй като показва, че би могла да си позволи да купи много метри плат, за да създаде роклята си. Един от най-обсъжданите въпроси за рисуването е дали жената от снимката (вероятно съпругата на Арнолфини) е бременна. Ренесансовите поли бяха толкова пълни и тежки, че жените вдигаха полите си нагоре, за да е по-лесно да се движат.
Добавените пищни гънки на роклята й също разкриват тенденция при описването на жени с по-извити средни секции, тъй като тя показа надежда за зачеване на деца по време на брака. Друг пример за това е Les Très Riches Heures du Duc de Berry, от братята Лимбург. И на двете изображения женските са представени с кръгли кореми. Изображението вляво показва сватба и е сравнима с портрета на Арнолфини, тъй като и двете жени проектират образа на майчинството в очакване на бременност. Без да гледаме картината с модерен обектив, можем да видим това като запис на това, което жените са носили и какво е било важно за мъжете да разкрият на другите.
Барокови и рококо картини
Периодите на барока и рококо могат да се характеризират със сложна, упадъчна и закачлива декорация. Тези тенденции се забелязват не само в изкуството, но и в модата чрез сложни орнаменти и щедри рокли. Разгледайте някои от известните рокли, вдъхновени от произведения на изкуството.
Елизабет Кларк Freake (г-жа John Freake) и Baby Mary (1674)
Вниманието на този художник към детайлите и фокусът върху облеклото е това, което прави тази картина важен рекорд за живота на пуританите в Нова Англия. На това изображение Елизабет е украсена с изискани американски тъкани и аксесоари от 1600 г. Нейната бяла дантелена яка показва популярната европейска дантела, открита сред аристократичните жени. Горнището на роклята е кадифена пола с бродиран злато, а ръкавите й са украсени с панделки. Тя е украсена с бижута от перлени колиета, златен пръстен и гривна от гранат. Тази картина предлага уникален поглед върху пуританския живот на Елизабет и нейното семейство.
Художникът е в състояние да смесва образи на своето богатство в скромна обстановка. Картината ясно демонстрира богатството на Елизабет, тъй като тя избира да носи най-добрите дрехи и бижута. Той също така отразява богатството на съпруга й Джон Фрийк, за да може да си позволи този лукс и да поръча този портрет, както и един от неговите. Рисуването би означавало и тяхното пуританско отношение на благодарност към Бог, защото без Неговата благословия те не биха могли да имат този разкош.
Люлка (1767) от Жан-Оноре Фрагонар
Люлка от Жан-Оноре Фрагонар, 1767 г., през колекцията Уолъс, Лондон
Люлката на Жан-Оноре Фрагонар е пример за стила рококо във френските аристократични среди. Картината е била частна поръчка, в която френски придворен помолил Фрагонар да създаде тази картина на себе си и любовницата си. Докато картината е била поставена зад затворени врати, тя разкрива лукса, лекомислието и тайната на френския кралски двор.
Пастелно розовата рокля се откроява сред буйната градина и е фокусна точка на парчето. Фрагонар рисува роклята с безплатни преси, което имитира метещите се поли и разрошеното елече на роклята. Безплатните му четки съвпадат с темата му в тази идилична градинска сцена, пълна с шикозни и причудливи образи. Въпреки ограниченията на корсетите, суетите и дамското облекло, единственото място, което тя нямаше, беше долният подгъв на дамска пола. Фрагонард използва това в своя полза, докато изобрази жената, стояща на идеалното място, за да може приятелят й да търси полата ѝ. Частната комисия позволи на Фрагонар да експериментира с неговата тема и позволи на зрителите да открият какъв е животът на най-богатите хора в съда.
Неговата картина показва и тенденциите, заложени във френския моден съд. Рококо надмина модата, изкуството и архитектурата, за да създаде нещо, което е уникално във Франция. Модата в рококо включваше най-луксозните материи, включително пастелни цветове коприна, кадифе, дантела и флорални шарки. Той също така включва прекомерно количество лъкове, бижута, волани и декоративни орнаменти, за да създаде вид, който обръща главата. Стилът определя разликата между бедните и богатите, тъй като аристокрацията може да си позволи лукс от фини тъкани и орнаменти. За жените, които носят такива рококо орнаменти, картината е символът на френския кралски двор преди революцията.
Известни рокли в картини от 19 век
През деветнадесети век се наблюдава артистичен преход от неокласицизъм към ранен модернизъм, отстъпвайки място на стиловете и мисловните школи. През този век се наблюдават и промени в модата; прочетете нататък, за да видите как картините са повлияли на въвеждането на известни рокли и стилове, които са били особено по-модерни от преди.
Симфония в бяло № 1: Бялото момиче (1862) от Джеймс Макнийл Уислър
Симфония в бяло № 1: Бялото момиче от Джеймс Макнийл Уислър, 1862 г., през Националната художествена галерия, Вашингтон.
„Изкуството заради изкуството“ става свързано със „Симфония в бяло № 1: Бялото момиче“, тъй като Джеймс Макнийл Уислър е възнамерявал рисуването да има духовно значение. Критиците обаче не го виждаха по този начин, защото изобразената жена е Джоана Хифернан (любовницата му по това време). По-важното е, че палтото на Уислър избра да нарисува Хифернан запечата сделката и направи тази рокля да се откроява сред другите му картини. Този портрет беше възмутителен по онова време, поради изобразяването на Уислър на чисто бяла рокля на жените. През 1800 г. облеклото на жената често включвало стоманена кринолинова пола, за да поддържа полите й на повърхността. Жените също носеха корсети сред много други бельо, за да създадат по-широки поли.
Жената в бяло е точно обратното на този уважаван стандарт за облекло по онова време. Чаеният й халат е дреха, която само съпругът (или гаджето) може да види, тъй като може лесно да бъде премахната. Това беше дневна рокля, носена частно и нямаше да стане по-популярна до началото на 1900 г. за ежедневно облекло. За Уислър музата му трябваше да бъде част от една приятна за окото обща сцена. Той изобрази Хифернан, както я видя, и за зрителите в този момент картината беше едновременно объркваща и донякъде неприлична.
Портрет на Мадам X (1883) от Джон Сингър Сарджънт
Портрет на г-жа X от Джон Сингър Сарджънт, 1883-84, чрез Метрополитън Музей на изкуството, Ню Йорк
Всеки, който стои пред Мадам Х, е изненадан от ръста и блясъка на нейния портрет. Джон Сингър Сарджънт създава образ на жена, която, макар и неприемлива за времето си, се превръща в една от най-признатите и почитани негови картини. Това е портрет на г-жа Пиер Готро, американска красавица, смесена във френското висше общество. Това създаде такъв скандал, че самият Джон Сингър Сарджънт трябваше да напусне Париж за Лондон.
Докато рокли, подобни на нейните, се носели като костюми или за партита, те не се носели в ежедневието на обществото. Има определени подробности, които правят тази рокля толкова скандална. Корсажът й е изключително насочен към долната половина на корема. Острите деколтета с V-образно деколте и мъниста едва покриват раменете й и разкриват това, което се смяташе за интимни части на жена, толкова неподходящо за публично показване.
След като Сарджент представи картината в Парижкия салон през 1884 г., тя предизвика гняв сред критиците и зрителите. Това предизвика противоречия за омъжена жена от нейния клас да бъде виждана публично по такъв провокативен начин. За публиката в Салона тя изглеждаше така, сякаш бе облечена по-скоро с бельо, отколкото с истинска рокля. Картината беше вредна за г-жа. Репутацията на Готро като народ възприемаше нейния портрет като отражение на дръзка личност.
Отначало не трябваше да бъде буквален превод на г-жа. Характерът на Готро. Самият Сарджент е избрал нейната рокля и стойка, а реквизитът наподобява древни римски статуи, намекващи за Даяна, богинята на лова и луната. Това творение би повлияло и на тяхната репутация. В крайна сметка Сарджент премахна името си от портрета, преименувайки го на Мадам X.
Известни рокли в картини от 20-ти век
Изкуството на ХХ век се фокусира върху абстракцията и изразяването, претърпявайки значителни промени с нови стилове и теми. Това също доведе до изследване на нови форми и синтези на модата и изкуството. Тук са известните рокли, виждани в картините през иновативния век.
Портрет на Адел Блох-Бауер I (1907) от Гюстав Климт
Златната рокля на Адел Блох-Бауер показва изображението на Густав Климт на жена, невъздържана от света около нея. В сравнение с други портрети на дами от висшето общество по това време, този портрет се откроява от останалите. Вместо да рисува жена от висшия клас, която се отпуска в градините или чете на диваните, Климт превръща Адел в светска фигура. Роклята й е вихрена фигура, пълна с триъгълници, очи, правоъгълници и иконография. Няма признаци на прави корсети или пластове върху слоеве дрехи. Вместо това тя е илюстрирана като необуздана, докато плува в своя златен свят. Ар нуво съдържа теми за природата и митични образи. Той също така се отнася до бохемската мода, която Климт носеше и използваше в различни други картини.
Климт често рисува модели, създадени от модния дизайнер Емили Фльоге. Тя не е толкова известна, колкото нейните съвременници или предшественици в света на модата, но е предприела решителни стъпки в създаването на мода за жените на своето време. Понякога това беше съвместно усилие, тъй като Климт използваше известните си рокли в много от другите си картини. Роклите на Flöge имат широки силуети и широки ръкави, които не включват корсети или друго ограничаващо облекло. Произведенията и на Климт, и на Флоге развиват бохемски начин на живот с неясни граници между традиционното и нестандартното, както се вижда в портрета на Адел Блох-Бауер.
„Двата фрида“ (1939) от Фрида Кало
Двете фриди от Фрида Кало, 1939 г., в Музея на изкуствата Модерно, Мексико Сити, чрез Google Изкуства и култура
Цветният и ръчно тъкан текстил в Мексико е свързан с наследството на Фрида Кало. Тя е прегърнала тези дрехи като част от своето наследство и е видяна да ги носи на няколко автопортрета и фотографии. Известните рокли на Фрида Кало, представени в „Двата фрида“, символизират връзките й с двете страни на нейното европейско и мексиканско наследство.
Фрида вляво отразява възпитанието й в семейство от средната класа. Баща й е родом от Германия, а домашният й живот от детството съдържа западни обичаи. Бялата дантела на роклята й символизира популярния стил в европейската мода. Тази уестърнизирана версия контрастира с правилното желание на Фрида да възприеме нейното мексиканско наследство, носейки традиционна рокля на Теуана. Това облекло е нещо, което беше насърчено от съпруга й Диего Ривера, особено в борбата им за промяна в тяхната страна. Тя показа гордостта си, че носеше местни и традиционни мексикански дрехи.
Облеклото на Кало е важен аспект от нейния живот и работа. След като се зарази с детски паралич като дете, единият й крак беше по-къс от другия. Цветните й поли се превърнаха в начин да скрие крака си по начин, който да я предпази от контрол. Гардеробът й включваше рокли на Теуана, блузи от хуйпил, ребозо, слушалки с цветя и антични бижута. Тези дрехи са важни за отбелязване, когато се разглежда работата на Кало, тъй като те са илюстрация на любовта, болката и страданието, които той въплъщава в нейната работа.